Tema 39: Goya

 Goya 

En Goya el Neoclasicismo y el romanticismo se mezclan en los momentos de mayor intensidad creativa.

Destaca por su inquietante duplicidad: “El sueño de la razón produce monstruos”.

Formado en Zaragoza, pintado en una primera etapa, pintura religiosa.

Encuentra trabajo en Madrid como pintor de la real Fábrica de Tapices y poco a poco su pintura se acomoda a los gustos de la corte.

Se hace retratista y sus retratos desaparecen del escenario cortesano para hacerse más sintéticos, centrándose más en los rasgos y a las poses.

Llega ala fama y realiza, 

La condesa de Chinchón, 

la Duquesa de Alba, 

y la serie de pequeñas escenas de costumbres

 la colección:

Los Caprichos, grabados al aguafuerte.

     

  

Mas tarde es nombrado primer pintor de cámara y vuelve a retratar a los reyes.

Nacen los Desastres de la guerra, que se grabarán más tarde y dos composiciones históricas, 

el dos de mayo

y los fusilamientos del tres de mayo.

En estos cuadros, la pintura histórica cobra una dimensión de denuncia comprometida. Aunque lo había pintado para arreglarse con Fernando VII, esto no sucede y Goya se encierra en sí mismo. Graba La tauromaquia

y Los disparates, mientras decora las habitaciones de su quinta junto al Manzanares, La quinta del sordo con una serie de temas grotescos y monstruosos. 

Goya se autoexilia a Francia, donde pinta La lechera de burdeos.

Evoluciona artísticamente abandonando las leyes ópticas e introduciendo una subjetividad con la que crea un mundo en el que predomina la fantasía, la crítica y la ironía. Apaga los tonos cálidos hasta llegar a las pinturas negras; utiliza el color expresar algo más allá de la realidad. Abandona los temas pictóricos e intenta que el sentimiento domine la obra y deforme la realidad.

Gran parte de los “ismos” de los siglos XIX y XX tienen un punto de partida en la obra de Goya

Tema 38 Neoclasicismo; Arquitectura, pintura, escultura

ARQUITECTURA: JUAN DE VILLANUEVA. ESCULTURA: CANOVA. PINTURA: DAVID.

El Neoclasicismo representa la segunda oleada recuperadora de la antigüedad greco-latina en la historia del arte. Se pone al servicio de las clases medias y populares que, tras la Revolución y la caída del Antiguo Régimen, representa la derrota de la aristocracia y del gusto barroco. En este contexto el arte queda limitado por el control de las Academias.

Juan de Villanueva es el prototipo de arquitecto neoclásico. Se forma en la Academia de San Fernando y viaja a ampliar sus estudios a Roma. Es nombrado arquitecto del monasterio de El Escorial, que le lleva a proyectar la “Casita de arriba” y la “Casita de abajo” para los hijos de Carlos III, y la “Casita del príncipe”  para el futuro Carlos IV por lo que asciende a la dirección de la Academia de San Fernando.

Diseña en Madrid el lo que hoy se conoce como el museo del Prado,

y el observatorio astronómico entre otros.

Antonio Canova es uno de los mayores escultores del neoclasicismo. Se inspira en la época clásica, “Eros y Psique”.

Sus obras están al servicio del Vaticano, Francia ó Inglaterra, como los sepulcros de los Papas Clemente XIII y Clemente XIV, el retrato de Paulina Bonaparte, las “Tres Gracias” y el retrato de George Washington.

Y otros como la Venus Itálica 

 y Perseo con la medusa.

Jacques-Louis David pintor político comprometido con la Revolución Francesa, el Imperio de Napoleón y la propaganda. “El juramento de los horacios” con el que manifiesta la pintura neoclásica europea, representa la promesa de estos hermanos de decidir el futuro de Roma. El cuadro distingue las virtudes del patriotismo y el sacrificio.

Otros cuadros como “La muerte de Sócrates” o “Marat asesinado”

,“Napoleón cruzando los Alpes”

, “El rapto de las sabinas”.

Tema 37. Características generales del Neoclasicismo. Las academias.

Tema 37. CARACTERISTICAS GENERALES DEL NEOCLASICISMO. LAS ACADEMIAS.

El Neoclasicismo representa la segunda oleada recuperadora de la antigüedad greco-latina en la historia del arte. Se pone al servicio de las clases medias y populares que, tras la Revolución y la caída del Antiguo Régimen, representa la derrota de la aristocracia y del gusto barroco. En este contexto el arte queda limitado por el control de las Academias.

Aparece en Italia en el s. XVIII

Influyen los descubrimientos arqueológicos y el objetivo neoclásico era perfeccionar la sociedad a través de los valores clásicos del arte, manteniendo la razón y la moralidad y mostrando las virtudes:

1.      Temas “clásicos” aplicados al momento… en arquitectura, escultura y pintura.

2.      Formas, técnicas y materiales que se aplicaron en la Antigüedad y en el Renacimiento, incluso lo monumental egipcio.

3.      En Arquitectura los modelos son grecorromanos: frontones, columnas, cúpulas, se prefiere el dórico griego

En el neoclasicismo se distinguir dos etapas.

1. La primera se da en Roma hacia 1755 y representada por Winckelman y Mengs.
2. La segunda se abre en 1770 con la aceptación y la difusión internacional de sus principios. Las academias contribuyen a que la pintura la escultura y la arquitectura se conviertan en oficios liberales y a convertir el estilo neoclásico en “academicista” ya que lo elevan a la categoría de canon.

Los objetivos de las academias eran: establecer sesiones periódicas y enseñar a los alumnos la educación neoclásica.

El sistema educativo se basaba en el dibujo durante tres años. El primer curso se dedicaba a copiar partes  simples del cuerpo, en el segundo se trabajaba con maniquíes y moldes y en el último año se copiaban modelos reales. Los arquitectos proyectaban edificios según las enseñanzas de Vitruvio, Vignola y Palladio. Las academias de Bellas Artes fueron muy importantes en las grandes ciudades destacaron Academia de San Lucas en Roma, la Académie Royal en Paris, la Royal Academy de Londres y la Academia de San Fernando en Madrid.

Los mayores representantes de este estilo son, en la arquitectura, Villanueva, en el caso de la escultura Antonio Cánova y el mejor representante de los pintores del Neoclasicismo, Jacques-Louis David.

Tema 36.- La pintura barroca. El naturalismo tenebrista: Ribera y Zurbarán. Realismo Barroco: Velázquez y Murillo.

La pintura barroca. El naturalismo tenebrista: Ribera y Zurbarán. Realismo Barroco: Velázquez y Murillo.

En la pintura barroca española se da la influencia de la pintura italiana.

Características: gran naturalismo, realismo, sencillez, no hay movimiento, preocupación por la profundidad, luminosidad, temática religiosa. Destacan los temas religiosos, mitológicos, y en el s. XVIII tienen mas importancia los temas profanos que los religiosos.

José de Ribera recibe influencia de Caravaggio. Primero sus obras son tenebristas; Después su pintura es menos densa, la luz más dorada y se aclarando los fondos. San Andrés: trabajaba en ambientes humildes, cuerpos arruinados por la vejez o el hambre, representa el naturalismo.

Francisco de Zurbarán,  El Socorro de Cádiz. Su pintura, evoluciona hacia formas más delicadas, recibe influencia de Velazquez. San Hugo en el refectorio de los Cartujos: falta la profundidad destaca el equilibrio; toda la atención se aplica a los rostros y manos, que adquieren expresividad, destacan los ropajes. 

Bodegón: composición sobria y sencilla, distribuyendo los objetos representados en fila sobre una mesa.

Velázquez. Consiguió la perfección, un fuerte realismo, el sentido del equilibrio y elegancia, detallismo, evoluciona la manera de aplicar el color.

La luz además de iluminar y dar volumen a los objetos, también da la sensación perspectiva. Además de usar temas ser  mitológicos y religiosos, usa paisajes, desnudos o retratos.

1ª etapa: 

La vieja friendo huevos, destaca la técnica del claroscuro tenebrista y un gran realismo, los protagonistas son los utensilios. El aguador de Sevilla, tema costumbrista, representación alegórica de las tres edades del hombre, el aguador, un anciano, ofrece una copa con agua a un chico joven, copa que representa el conocimiento; destaca el rostro entre tinieblas del segundo plano, en los que los contornos aparecen difuminados. La Adoración de los Magos: Episodio evangélico, sobre un fondo crepuscular los personajes; destacan el interés por el claroscuro, la calidad táctil y la descripción detallada de objetos y texturas.

2ª etapa: 

Felipe IV: Retrato oficial de Felipe IV, con los elementos clásicos del retrato cortesano; el dominio espacial, consigue la figura en una estancia indefinida. Los borrachos: de tema mitológico, naturalista.

3ª etapa: 

La fragua de Vulcan, de tema mitológico, , Paisajes de la Villa Medici: En estas composiciones, denominadas también “La Tarde” y “El Mediodía”, convierte al paisaje en el  protagonista, destaca la pincelada libre, impresionista.

4ª etapa: 

Cristo crucificado: destaca en su composición la serenidad, la belleza y la perfección formal, no recurriendo ni a exageraciones ni patetismos, 

La Rendición de Breda, destaca el paisaje del fondo, en el que dominan los tonos plateados, verdes y azules.

Retrato ecuestre del Conde-Duque de Olivares, destacan la minuciosidad de las calidades de las telas, los detalles de la armadura, el fondo de paisaje de tonos plateados, azules y verdes, aplicados en largas pinceladas, rápidas.

5ª etapa:

Retrato de Inocencio X: retrató al papa, captando fielmente su fisonomía, psicología

y carácter, La Venus del espejo: Uno de los más hermosos desnudos femeninos de la pintura universal, con originalidad, refinamiento y elegancia.

6ª etapa: 

Las Meninas, representa a la familia real en el momento en que les está realizando un retrato,

Apareciendo su propia imagen, aunque en realidad se trata de un retrato de grupo de la Infanta Margarita y sus damas de honor; Destaca el manejo de la luz, que ilumina la escena desde las ventanas laterales y desde la puerta del fondo, el naturalismo, etc.,

Las Hilanderas: de temática mitológica en el que se representa la competición entre la diosa Minerva

y la tejedora Aracne; traslada la escena al interior de un taller de tejedoras y representa una escena

costumbrista en primer plano y una escena mitológica al fondo.

Como pintor de final de siglo, encontramos en Sevilla a Murillo. En sus obras embellece la realidad y se produce el triunfo del sentimentalismo. La temática es religiosa, de carácter familiar y tierno; también trató temas costumbristas. Destaca el colorido, se dan formas más difuminadas y le interesa menos la composición. La Sagrada Familia del pajarito, La Inmaculada Concepción de los Venerables, Niños comiendo melón y uvas, Niños jugando a los dados.

Tema 35.- Escultura Barroca. La gran imaginería: Castilla y Andalucía. Murcia

Escultura Barroca. La gran imaginería: Castilla y Andalucía. Murcia

En España el Barroco coincide con el Siglo de Oro.

La escultura barroca es de temática religiosa.

Se emplea la madera policromada. También podemos encontrar sepulcros, retratos y temas mitológicos en los jardines y fuentes, realizados en mármol.

Destaca el dinamismo, la luminosidad, el realismo y la expresividad de las figuras humanas.

Se trabaja en las iglesias y conventos, encontrando diferentes escuelas:

• La Escuela Castellana es realista, expresiva, trágica y dura que muestra el dolor y el patetismo. Destaca Gregorio Fernández por su realismo, por sus ropajes, por la policromía ya sin técnica del estofado. Obras: Cristo atado a la columna: Representado con las manos descansando sobre la columna baja, y con una expresión de dolor muy real, Cristo de la Luz (Crucificado, con tres clavos y el Cristo ya muerto; refleja el dolor y el sufrimiento, Cristo yacente, tipo iconográfico creado por él y que repitió en otras ocasiones; el modelado es perfecto, el realismo patético, con abundancia de sangre.

• La Escuela Andaluza es menos hiriente y mas serena, también es realista, y destaca por el clasicismo y elegancia. 

Juan Martínez Montañés creó la Escuela Sevillana de Imaginería. Sus obras se caracterizan por su realismo y belleza más, evoluciona hasta el realismo barroco; Destaca el modelado, los ropajes y el empleo aún del estofado, Cristo de la Clemencia (Crucificado), Cristo andaluz, casi sin notas sangrientas, todavía vivo y de gran perfección anatómica, Inmaculada, estatua de la Virgen, idealizada, representada sobre nubes con ángeles mirando hacia abajo, todavía técnica estofado. Alonso Cano, escultor andaluz que no utiliza ni el oro ni el estofado, emplea colores puros. Tiene mayor expresividad en rostros y actitudes, por un mayor dinamismo y por la búsqueda de la perfección. Inmaculada, la Virgen es esculpida con rostro clásico, muy joven y mirando hacia abajo y con las manos en actitud piadosa; lleva un manto azul sin estofado; sus pies se apoyan sobre nubes y ángeles.
Juan de Mesa, Con dramatismo y violencia expresiva. Jesús del Gran Poder, es una escultura de Cristo llevando la cruz, con patética expresión de cansancio y dolor; 
Pedro de Mena, con la Magdalena penitente, imagen llena de sensibilidad, emoción y realismo. En la expresividad del rostro, refleja la pena y la angustia.

• La escuela Murciana, con Salzillo autor de pasos de Semana Santa, grupos de figuras que van narrando la Pasión de Cristo a los fieles. La Oración en el huerto: su obra más importante, es un grupo en madera policromada.

Tema 34.-La arquitectura barroca española.

34.-La arquitectura barroca española.

En España el Barroco coincide con el Siglo de Oro.

En la arquitectura barroca española se mezcla la ornamentación y sobriedad,  y se caracteriza por no modificar las plantas ni los muros.

Distinguimos tres periodos:

1. El primero duró hasta el segundo tercio del S. XVII, todavía con la influencia herreriana, con plantas renacentistas de gran sobriedad decorativa;
2. El segundo periodo duró hasta el XVIII, caracterizándose por el abandono de la influencia herreriana;
3. El último periodo, desarrollado en el  XVIII, se caracteriza por la mezcla de las influencias italianas y francesas.

Juan Gómez de Mora, arquitecto que realiza:

Palacio de Santa Cruz de Madrid: destaca la sobriedad y el clasicismo, en piedra la parte central de la fachada y las ventanas; el panel central es de gran monumentalidad y está decorado con elementos clásicos usados con un movimiento y un ritmo más barrocos.

La Plaza Mayor de Madrid, con su estructura cerrada, rodeada de pórticos y de balcones, siguiendo el estilo herreriano.

Los Churriguera, familia de arquitectos barrocos que crean retablos, la decoración se concentra en algunas zonas del edificio.

Retablo de San Esteban de Salamanca: Se emplea una estructura arquitectónica con elementos barrocos, como columnas salomónicas de orden gigante, los perfiles curvados, la ruptura de los elementos clásicos, etc.

Plaza Mayor de Salamanca, sigue la traza de la Plaza Mayor de Madrid, de Gómez de Mora, con mayor presencia de elementos decorativos.

Pedro de Ribera, Agrupa todos los elementos decorativos en sus estrechas fachadas:

Antiguo Hospicio de Madrid: Mezcla en la fachada ladrillo y piedra, material enmarcando la puerta.

En Andalucía, Alonso Cano inicia el segundo periodo de la arquitectura barroca española, realiza la Fachada de la Catedral de Granada: Con tres arcos de medio punto, que cubren el paramento rehundido, formado por dos cuerpos, el inferior con puerta de arco de medio punto y el superior utilizando grandes pilastras y medallones como elementos decorativos.

Francisco Hurtado, obras: Sagrario de la Cartuja de Granada: Con una abundante decoración a base de líneas curvas y quebradas.

Durante el barroco se construyeron en España las residencias de los borbones,

Encargadas a arquitectos extranjeros .Palacio de Aranjuez, Palacio de San Ildefonso en La Granja y Palacio Real de Madrid.

El Palacio Real de Madrid de planta cuadrada, con salientes en los ángulos, gran patio central y un saliente en la fachada posterior correspondiente a la capilla.

Tema 33 Pintura Paises Bajos

Pintura Paises Bajos

Rubens:

De imaginación desbordante, sus composiciones destacan por su barroquismo vital y sin freno, el movimiento y dinamismo extraordinario, el dominio de los colores cálidos, las formas gruesas y redondas, la pincelada suelta, etc.

Las Tres Gracias, obra de tema mitológico, escusa para poder pintar tres sensuales figuras femeninas, reproducción de las exuberantes formas de sus habituales modelos. Completamente desnudas y reunidas en círculo, de tendencias realistas, la composición destaca por su colorido cálido, brillante y luminoso, con un fondo constituido por un pintoresco paisaje.

Rembrandt:

La Lección de anatomía, es el primer retrato de grupo pintado por Rembrandt. El cuadro muestra una lección de anatomía con un grupo cirujanos impartida por el doctor Tulp y sobresale por su realismo y los contrastes lumínicos que provoca una luz potente y clara, según los principios tenebristas en boga en la época.